Culture et arts Toscane

Le lien entre Toscane et littérature est essentiellement florentin. Dante, grand poète, est né à Florence en 1265. On doit à cette femme mystérieuse l'existence de la Vita nuova et son ombre flotte sur La Divine Comédie.
Son œuvre sera commentée par Boccace, qui aura comme égérie, la fille illégitime du roi de Naples, Maria de Conti d'Aquino, la Fiammetta de son récit. De 1349 à 1353, il écrit Le Décaméron, œuvre magistrale dans laquelle 10 personnages se réfugient à la campagne pour fuir l'épidémie de peste de 1348 qui sévit à Florence.

De son côté, son ami Pétrarque, originaire d'Arezzo, aimait d'un amour platonique Laure de Noves. Elle lui inspira plus de 300 poèmes, essentiellement des sonnets (317), regroupés dans le Canzoniere. Le recueil célèbre cet amour impossible et a donné forme au « pétrarquisme ».

Quant à Machiavel, homme politique par tradition familiale, négociateur et philosophe, il est écarté du pouvoir lorsque Florence se soumet aux Médicis (1512). Il dédie tout de même Le Prince à Laurent de Médicis, qui ne lut même pas l'ouvrage. Selon lui, le pouvoir n'est pas compatible avec la morale et mieux vaut être craint qu'aimé.

Les siècles suivants sont plutôt calmes côté littérature toscane.

Cependant, dans la vague du roman noir italien des années 2000, Nino Filasto, fn connaisseur des milieux de l'art florentin (Cauchemar de dame) et de la politique – il est avocat de formation, propose des livres sombres à la frontière du fantastique (L'Éclipse du crabe).

Sandro Veronesi, écrivain et traducteur originaire de Prato, obtient le prix Campiello et le prix Viareggio pour La Force du passé paru en 2002. Il accède à la notoriété avec son roman psychologique, Chaos calme, couronné du prix Strega en 2006 (équivalent du prix Goncourt). Ses œuvres psychologiques mais aussi parfois fantastiques se basent sur le thème de la famille, du passé et de de l’identité. Fait exceptionnel, il obtient le prix Strega une 2de fois en 2020 pour Il Colibri, qui traite également du thème de la famille et de la culpabilité.

Les gisements de marbre sont situés au nord-ouest de la région, dans les Alpes apuanes. Ces montagnes renfermeraient encore aujourd’hui environ 5 millions de kilomètres cubes de marbre à exploiter encore pendant 600 ans... Les exportations de marbre représentent près de 60 millions de tonnes par an, dont environ la moitié exportées brutes, l’autre moitié étant transformée sur place. Des flux qui ont été multipliés par 4 en 20 ans, à tel point qu’en 50 ans, on a délesté la montagne de la même quantité de marbre que pendant les 2 000 ans qui ont précédés, tant la demande dans le monde est grande !
La région de Massa-Carrara donne un marbre blanc de renommée mondiale. On l’appelle le statuario. Il est niché au cœur de la matière, sous les couches externes où s’enchevêtrent les veines de la roche.

Les Romains ont été les 1ers à couvrir de marbre les sols et murs de leurs palais. La Renaissance fut également une grande consommatrice de marbre, notamment celui de la région de Sienne, très coloré (de couleur jaunâtre).

En dehors du marbre blanc (statuario), le plus beau et le plus recherché, surtout pour la sculpture qui représente à tout casser 20 % des quantités extraites, il existe plusieurs variétés.
La région de Prato (en Toscane toujours) produisait (car la mine est épuisée) la serpentine, un superbe marbre vert que l’on retrouve dans l’église San Miniato al Monte, à Santa Maria Novella et dans le campanile de Giotto à Florence.
Quelle que soit la variété utilisée, sans le marbre de Carrare, la colonne Trajane, le Panthéon d’Agrippa, la statue de David de Michel-Ange, la fontaine des Néréides, les chevaux de Marly, l’arche de la Défense (Paris), Notre-Dame-des-Naufragés à l’extrémité de la pointe du Raz (Bretagne) et les ex-tours du World Trade Center à New York n’auraient pas vu le jour, pour ne citer qu’eux...

- Chiuso est un petit mot italien signifiant « fermé » et qui décore parfois la porte d’un musée censé être ouvert. La crise est telle qu’il n’est pas rare de voir certains horaires réadaptés en fonction de nouvelles coupes budgétaires...

- En principe donc, les musées sont ouverts en été de 9-10 h à 18-19 h (pour certains jusqu'à 22h le vendredi) et fermés le lundi (parfois le mardi ou le mercredi). Les horaires changent fréquemment, selon la saison et l'année. Parfois, viennent s'ajouter des travaux de rénovation dans l'un ou l'autre musée, qui ferme alors temporairement.

- De nombreux sites à ciel ouvert sont accessibles de 9h à l’heure précédant le coucher du soleil.

- Tarifs :  les prix des sites et musées demeurent élevés. Les jeunes de 18 à 25 ans bénéficient de réductions dans la plupart des musées et sites nationaux. Pour les jeunes de moins de 18 ans, les musées nationaux sont gratuits (mais pas forcément les musées municipaux... une nuance qui a son importance !). C’est gratuit pour tous le 1er dimanche du mois dans les musées d’État. Par ailleurs, la Nuit des musées (en principe 2 fois par an) devrait permettre à tous de visiter les musées pour 1 € symbolique.

- Avertissement : méfiez-vous des sites internet fantaisistes proposant des réservations à prix exorbitants avec des marges énormes (exemple de la galerie des Offices à Florence).

La cité des Médicis apparaît aujourd'hui à la fois initiatrice et dépositaire de la Renaissance italienne dans l'imaginaire occidental. Une affirmation qui mérite quelque peu d'être nuancée.

C’est à Assise (en Ombrie), à la fin du XIIIe et au début du XIVe siècle, que le célèbre peintre florentin Cimabue et son élève Giotto vont révolutionner la peinture occidentale. Le chantier d’Assise fut une aventure extraordinaire, car les plus grands peintres italiens de l’époque (siennois, romains, florentins...) s’y retrouvèrent. Les personnages semblent être des portraits d’époque, développés au sein d’un cadre architectural et d’une nature environnante bien plus proches de la réalité qu’auparavant.

Cependant, le XIVe siècle n’est pas le triomphe de la peinture « giottesque ». Le courant artistique dominant est l’art siennois, très ornemental, gothique.

C’est au début du XVe siècle que l’assistant de Masolino, le Florentin Masaccio, va reprendre à son compte l’ancienne leçon de Giotto. De là découle la première génération florentine (plus toscane que florentine, en fait) de la première moitié du Quattrocento (Fra Angelico, Filippo Lippi, Andrea del Castagno, Piero della Francesca, Paolo Uccello, Donatello, Ghiberti, Brunelleschi...), pleine d'harmonie, de majesté et de puissance. À cette époque, le nombre d’artistes majeurs se formant ou travaillant à Florence est impressionnant. Viendront ensuite Ghirlandaio, Verrocchio, Botticelli… Le Quattrocento florentin constitue une véritable explosion picturale, architecturale et sculpturale.

L’année 1504 voit séjourner ensemble à Florence et pour quelques mois les 3 figures artistiques centrales de ce siècle : Léonard de Vinci (le plus âgé), Michel-Ange (né à Caprese, au nord d'Arezzo) et Raphaël (originaire d’Urbino, dans les Marches).

De ces 3 génies, Raphaël est certainement celui qui incarne le mieux l’idéal de la Renaissance.

Cet équilibre ne se retrouve ni chez Léonard de Vinci ni chez Michel-Ange. Son amour de l’expérimentation et son génie scientifique conduisent Vinci à un certain « inachèvement ». Pour ce qui est de Michel-Ange, il privilégie le dessin au détriment de la couleur, apportant un sens tragique aux destinées humaines, ouvrant ainsi la voie au baroque. Le pape en personne, Jules II, ne s’est pas trompé ; il va jusqu’à bouleverser l’ordonnance des travaux au Vatican pour lui confier les fresques du plafond de la chapelle Sixtine !

La génération suivante se devait d'innover, avec un retour aux sentiments, à l'émotion, le cadre architectural devenant secondaire et anecdotique : on utilise des couleurs froides, auparavant jamais associées, comme le fait Michel-Ange à la chapelle Sixtine. Comme lui également, on s'affranchit du réel, l'anatomie et les mouvements deviennent subjectifs, au service d'une émotion qui prime. Finalement, ces maniéristes sont très proches de notre modernité artistique !
Là encore, Florence prédomine avec Pontormo et Rosso Fiorentino, les élèves d'Andrea del Sarto. Parmi les maniéristes, citons Beccafumi, le Parmigianino...